Die Biennale von Venedig ist eines der bedeutendsten Kunstereignisse der Welt, ein dynamisches, globales Ereignis, das von der gesellschaftspolitischen Tagesordnung geprägt ist und diese wiederum kommentiert.
Für die 61. Ausgabe bestand die Vision des verstorbenen Kurators Koyo Kouoh jedoch darin, die Ausstellung weg von der „ängstlichen Kakophonie des gegenwärtigen Chaos, das in der Welt tobt“ neu auszurichten und sich auf sanftere Töne von Emotionen, Verbundenheit und Erdung zu konzentrieren, die im Thema „In Moll“ zusammengefasst sind.
Nach dem Tod von Kouoh im Mai 2025 wird das Konzept der kamerunisch-schweizerischen Kuratorin für die Biennale nun von ihrem Team umgesetzt. Es bildet den Rahmen für die in der zentralen Ausstellung mit 111 Künstlern an den beiden Hauptstandorten Giardini und Arsenale gezeigten Werke und gibt ein Leitthema für die Länderpavillons vor.
Gefühlvoll, sinnlich und spirituell
Kouohs polyphones Thema manifestiert sich in einer Reihe miteinander verbundener Motive: Schreine, Prozession, Schulen, Ruhe und Aufführungen. Dazwischen liegen die Grundwerte Ruhe, Fürsorge, Intimität und Reflexion.
Die Ausstellung untersucht, wie Konnektivität unbewusst sein kann und entsteht, wenn die Interessen unabhängiger Künstler und Bewegungen eine Affinität finden – eine Erweiterung dessen, was Kouoh „relationale Geographie“ nannte, die durch Begegnungen und die gebildeten Erinnerungen definiert wird.
Besucher sind eingeladen, sich in einem meditativen Zustand durch die Show zu bewegen und sich wieder mit dem Seelenhaften, Sinnlichen und Spirituellen zu verbinden – um sich „sotto voce“ einzustimmen. Es ist eine radikale Einladung in der heutigen Welt: langsamer zu werden in einem Raum, in dem „die Zeit weder Unternehmenseigentum noch der Gnade einer unaufhörlich beschleunigten Produktivität ausgeliefert ist“, schrieb Kouoh in ihrem Manifest.
Gärten und Oasen
Ein zentraler Aspekt der Ausstellung ist die Einführung eines „Archipels von Oasen“: Räume voller Erinnerungen und Emotionen, die für die Universen großer Künstler von zentraler Bedeutung waren. Da ist der ehemalige Innenhof von Issa Samb (La Cour) in der Rue Jules Ferry in der Innenstadt von Dakar; Marcel Duchamps letztes Studio, in dem er 20 Jahre lang heimlich an derselben Installation arbeitete; und Werewere Liking’s Village Ki-Yi MBock, eine Theaterkooperative in Abidjan, Elfenbeinküste.
Ein weiterer fantasievoller Raum ist der Garten, der sowohl experimentell als auch metaphorisch ist und als Ort der Nahrungsaufnahme und der Wiederverbindung konzipiert ist. Linda Goode Bryants Stillleben wird beispielsweise die Form einer städtischen Farm haben, die während der gesamten Dauer der Ausstellung von ehemals inhaftierten Frauen bewirtschaftet wird.
Kouohs Schulmotiv ist auch eine Art Garten, der dem Lernen und der Kreativität Nahrung und Förderung gibt. Vertreten durch von Künstlern geführte Organisationen wie die Raw Material Company in Dakar, die GAS Foundation in Lagos und die Nairobi Contemporary Art Institution verbindet diese einheimischen Institutionen „ein Ethos, zusammenzukommen, Wissen zu teilen, eine Weile zu bleiben, auseinanderzunehmen, Samen der Absicht zu säen und Zentren zu bauen, die sich ohne die Intervention kommerzieller Märkte vermehren“.
Einige Länderpavillons werden auch in Räume der Kontemplation und der Verbindung umgewandelt. Der Pavillon des Heiligen Stuhls bietet ein klangbasiertes Erlebnis, das von den Schriften der Äbtissin Hildegard von Bingen aus dem 12. Jahrhundert inspiriert ist und es den Besuchern ermöglicht, einem „Klanggebet“ zu lauschen, während sie durch den Klostergarten aus dem 17. Jahrhundert schlendern.
Für Katar hat der Künstler Rirkrit Tiravanija eine zeltartige Struktur entworfen, die als Ort des kulturellen Austauschs dienen soll, mit einem Film der katarisch-amerikanischen Künstlerin Sophia Al-Maria, Live-Auftritten des libanesischen Künstlers Tarek Atoui, einer großformatigen Skulptur der kuwaitisch-puerto-ricanischen Künstlerin Alia Farid und einem kulinarischen Programm mit nahöstlicher Küche, entworfen vom palästinensischen Koch Fadi Kattan.
Prozessionen und Karneval
Kouohs Prozessionsmotiv zelebriert die menschliche Verbindung und die kollektive Teilnahme. Künstler wie Big Chief Demond Melancon, Nick Cave, Alvaro Barrington, Daniel Lind-Ramos und Ebony G. Patterson erforschen Zusammenkünfte, deren Zweck von täglichen Feiern und Ritualen in diasporischen Zentren und Peripherien bis hin zu Gemeinschaften zwischen den Lebenden und den Vorfahren reicht.
Karneval wird auch als „ein Stich in der Zeit dargestellt, in dem Machtverhältnisse vorübergehend untergraben und durcheinander gebracht werden“. Etablierte Normen in der Kunstgeschichte und klassischen Literatur werden in den Werken von Johannes Phokela, Tammy Nguyen, Buhlebezwe Siwani, Sammy Baloji und Godfried Donkor untergraben.
Die Installation der zentralen Ausstellung von Wolff Architects lässt sich von zwei Büchern inspirieren – „One Hundred Years of Solitude“ von Gabriel García Márquez und „Beloved“ von Toni Morrison – um ein Besuchererlebnis zu schaffen, das eher sinnlich als didaktisch ist und Intimität und Interaktion fördert.
Auch der Japan-Pavillon freut sich über die Teilnahme mit Grass Babies, Moon Babies der japanisch-amerikanischen Queer-Künstlerin Ei Arakawa-Nash. Beim Betreten sind die Besucher eingeladen, eine von 200 Babypuppen durch die Pilotis, Gärten und Innenräume des Pavillons zu tragen. Besucher nehmen an einem Akt der kollektiven Fürsorge teil, indem sie den Puppen die Windeln wechseln und einen QR-Code aktivieren, der ein „Windelgedicht“ basierend auf dem zugewiesenen Geburtstag jedes Babys liefert.
